摄影实践

 分类: 喷墨课堂

大家都知道,如果不坚持锻炼,我们的身体很快就会失形,同样的道理,如果不是天天不停的拍,摄影师的就会慢慢失去“感觉”。好多年以来,我一直坚持拍摄并与我的学生们一起讨论分享,以免陷入“视觉迟钝”。 
    视圈(Invisible circle):无论身处何时何地,画一个虚拟的圈去观察世界,不管是在房间里面对四面的白墙,还是在海滩欣赏落日的辉煌。这个虚拟的圈大小都无所谓,重要的是强迫自己去观察圈内的景物。开始的时候,你可能看不到什么,可当你真正的挣开眼睛,开启大脑,你就会发现以往从未看到的景象,其中很多会成为好的摄影素材。 
    角上的三角区(Triangles in the corners):当我们接触到事物的时候,我们的视点一般都会放在视野的中心而很少会注意周边。而恰好是周边,无论如何,我们都会发现被忽略的东西,也就是说,好东西似乎总想溜出你的视野,她们也许是伸进视野的树枝,也许是一抹彩云,这些 “多余的”东西都出现在我们视野的边角处,形成了“三角区”。当你面对这些三角区,要决定是把她们剔出画面,还是包含进来的时候,最好。。。(有困难) 
    用光(Learning the light):有了今天的高科技相机,很容易地把相机设到自动曝光状态,而在大多数情况下,这样都不会有什么问题。然而问题是这样你根本没有学会用光,当你在晴雪下或者很强的背光下,拍出来的照片会令自己大失所望。必须经过练习才能学会用光,保证在任何光线条件下都能得到正确的曝光。这个练习只要有一个简单的手持测光表,或者把你手里的单反相机设置到手动状态就可以了,走进一个房间,用肉眼来判断在环境光源下的曝光量,“目测”完后,再看测光表的数值,进行对比,如此反复多次,经过一周时间,你的眼睛和脑子就会变成一个真正的测光表了,你会随时知道何时相机的判断是正确的,何时是错误的,何时需要曝光补偿。 
    顺光、测光和逆光(Front light, side light, back light):当你围绕物体转360度,从不同的角度去看,你会发现物体的质感、色彩和亮度会神奇般的变化。太多的时候,摄影者会失去最佳的摄影角度,因为他们始终站在他们刚发现物体的位置不动,。。。 
    第三法则(Rule of thirds):一般来说,大多数人都习惯把物体放在画面的中央,比如说,如果你把自己家的房子画一幅画,你一般会把房子画在画框的中心。问题是,人们往往对于视野中央的东西提不起兴趣,大脑思维具备很强的逻辑性:因为大脑预期会在视野的中央发现物品,而恰好哪儿就有,所以大脑的兴奋程度就不是很高。不把被摄物放置在画面的中央会有更强的视觉刺激,“第三法则”就是关于应该把被摄物放在画面的什么位置—重心放哪儿?这是基于把主要被摄物体放在偏离画面中心位置时,会给人留下更强的印象这一事实。在画面上横向和竖向各有三条虚拟的线,把画面均分为9个部分(如图所示),一般来讲,重要的元素应该位于中间的四个交点位置上。 
                   
    是否要换镜头(Changing the lens or not):很多摄影者喜欢带着自己所有的镜头去旅行,我发现这样做的话,会把很多的时间浪费在在摄影包里找镜头而不是去观察我们要拍摄的世界。一个简单的训练是出门只带一个镜头,这样你再不用去考虑到底用那个镜头了,而是思考用这个镜头到底能拍到什么,最后,你会学会用这个镜头去观察。如果每次带不同的镜头出去,都能做到如此,你就会真正的学会用镜头。 
    亮与暗(Light and dark):当单一的色彩几乎充满画面的时候,亮的色彩给人的刺激比暗的色彩要弱一些,同样的大小的深色区域比亮白区域会对人大脑更有吸引力,同样,相同的色彩,占有的空间越大,对人大脑的视觉刺激越强。你可以选择“低重心”,把被摄物放置在下面三分线的位置,你也可以选择“高重心”,把被摄物放置在上面三分线的位置。 
    增加深度(Add depth):如果你想让欣赏者享受与你同样的三维世界,就要增加元素来辅助他们的大脑,比如拍海滨的日落,前景里就加一个人的话,就会产生这个深度,一个有深度的影像不像没有深度的影像那么“平”,更加引人注目,但是要避免同时加背景和前景。记住,拍一个三维景色的时候,如果拍出来变成一个平面,照片便“死了”,典型的情况是,拍人的时候,人站在树的前面,而从照片上看,似乎树是从人的头上张出来的。 
    焦点(Focal points):增加视觉力度,一个很好方法是让影像有一个 “焦点”,能够把观察者的目光“拽”过来,焦点强迫观察者首先注目于它。一个孤立的物体自然就成为焦点;只让主被摄物准确聚焦,而把其他东西一概虚化(放在焦点之外),是另一个重要技巧,因为人眼首先会被锐利(Sharp)的影像所吸引;增加明暗与色调的对比也不失为一种产生焦点的绝好方法,举例来讲,假如影像被分为两种色调,而两部分完全对等,观察着就会摸不着头脑了,想像一下,拍一幅经典的海滨日落,如果把水天交接的海平线横在画面的中间,天和水上下平分整个画面,观者就会感觉不舒服,不知道焦点在哪里,如果降低水平面,把焦点放在太阳上,结果就会完全不同。同样,也可以提高水平面,把焦点放在水上。 
    站着、弯腰、躺下(Stand up, bend down, lie down):只有选择最佳的角度,才会得到最佳的照片,而最佳角度恰好与人站着的高度相符,这种情况太少了。拍照的时候,站着、躺下、弯腰,并不断的移动来变换角度,你就会发现随着你视角的转变,你视野里的影像也随着千变万化,有时候,站在梯子上,增加仅仅几十公分的高度,拍出的作品将会完全不同。 
    取景(Framing a scene):在画面中加一个“边框”会使平面的影像产生神奇的变化,通常,用一些前景的元素来形成边框:建筑、窗户、门等都可以形成一个边框来隔离被摄主体,让他们更引人注目。“边框”还能增加立体感,按下快门以前,仔细地观察前景、中景和背景,不尽是寻找一个边框,还要作为多样的色彩平面。你也许需要多备份一点东西,跪下来取到更多的元素,或者把你选择的边框聚焦到你的取景范围内。 
    人的想象倾向于夸大通过取景器看到的景象,所以实际被摄物的大小比你所预见的会小一些,人们也往往不会注意到小的“干扰物”,比如伸进画面的树枝等等。拍照时应该稍微移动移动,确保被摄物在画面内,要做到这点,最好的办法是走进被摄物,仔细地观察其周边环境。 
    主题(Theme):问问自己,“我在拍什么?”(Ask yourself, “What am I photographing?”):你在拍甲虫或者花吗?每次按动快门以前,要问问自己,你在拍看到的东西,还是仅仅在按动快门。让无关紧要的东西插进来会分散观察着的注意力,在按动快门以前,就要“修剪”你要拍的影像,越简单越好。 
    节奏(Rhythm):影像与音乐一样是有节奏的,或者说韵律,在摄影上,相近形态的不断重复会形成节奏感,让人更加醒目并有愉悦感,比如一排篱笆或者一行树。但是这种重复不是简单的重复,应该有一些变化,这样才会给人美感和更深刻的印象。    
    抽象(Abstraction):有时候,影像中包含了形状、色彩、材质和光线,但不是所有的都如此,很多影像并不是有形的东西,
    影子(Shadows):摄影艺术就是光与影为音符的乐曲,要试着创造性地运用影子,通过控制曝光量让她比目视的更亮或者更暗一些。要注意影子不一定要很重很强,柔和的影子有时更有表现力;但是,尽管影子太重会带来问题(比如丧失细节),有时候他会在平衡影像、强调主题等方面发挥作用。

    作者Seth Resnick在美国迈阿密拥有一个以他自己名字命名的影楼(www.sethresnick.com),他同时是D-65摄影研修课程的创始人之一(www.d-65.com)。
                                樊俊耀编译(jeff@yunyuan.com)

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